domingo, 27 de julio de 2014

LA DRAMATIZACIÓN- INTRODUCCIÓN

  La palabra teatro viene del griego y significa “lugar para contemplar”. Se trata de un arte que busca representar historias frente a una audiencia, combinando actuación, discurso, gestos, escenografía, música y sonido. Podemos decir que el teatro es uno de los pilares culturales más importantes. Primero porque es algo muy antiguo, que no hemos perdido a pesar del paso de los años y segundo porque posee un gran número de espectadores.

  Fijaos si es importante y valioso, que una de sus variantes, la dramatización, puede ser utilizada como recurso educativo. Y, además, no es un recurso cualquiera, es un recurso que desarrolla la expresión en sus más variadas formas, potencia la creatividad, favorece la comunicación, mejora las relaciones interpersonales y es capaz de desarrollar contenidos actitudinales y procedimentales.

  Se entiende por dramatización la conversión en materia dramática de todo aquello que de por sí no lo es en su origen. El drama en su concepto inicial significaba acción. Era un género opuesto a la tragedia y a la comedia. Se puede decir que el drama responde a una de las exigencias permanentes del teatro, representar una acción sin limitarla, pasando a lo largo de la historia por distintos géneros.

 Desde antiguo, el hombre se transformaba, cambiaba de personalidad y le era permitido reproducir aquellas situaciones que le producían placer. En el caso del arte, a partir del siglo XVII, psicólogos y pedagogos ilustres como Juan Amos Commenius, John Locke y J.J. Rousseau, hicieron notar que éste puede servir como un elemento educativo.

  En la primera mitad del siglo XIX, empezó a gestarse la verdadera Pedagogía del Arte con base en las ciencias de la educación; se inicia la elaboración del programa partiendo del conocimiento del alumnado. Aportaciones como las de Jean Piaget lo evidencian, al marcar que el niño y la niña a través de la libre expresión, consigue apoderarse de su yo, de lo que siente y piensa.

  La dramatización proporciona al educador un amplio espectro de interesantes posibilidades. Los niños y niñas juegan a reproducir acciones con total espontaneidad, repartiendo papeles y creando un espacio dramático sin saberlo, tienen gran facilidad para crear objetos, personajes y situaciones.

  En definitiva, el concepto escolar de dramatización es dar una estructura teatral a algo que en un principio no la tiene, utilizando técnicas teatrales pero con un objetivo lúdico o pedagógico-didáctico sin tener en cuenta el resultado final.

  La dramatización debe ejercitarse sin desligarla del juego, de los ejercicios psicomotrices, de poesía, etc.; es decir, es un recurso que se debe realizar en la escuela para desarrollar la creatividad y la expresión.
Su práctica continuada va modelando lentamente la sensibilidad y aporta nuevos conocimientos.

La dramatización como elemento de expresión, integra:
-La expresión lingüística, basada en las manifestaciones que tienen como base la palabra.

-La expresión corporal, fundamentada en las manifestaciones gestuales.

-La expresión plástica, que hace referencia a las manifestaciones artísticas y técnicas de las posturas físicas del cuerpo.

-La expresión rítmico-musical, son aquellas manifestaciones que emplean el movimiento y sonidos reglados. El empleo del ritmo y danzas son expresiones artísticas ligadas al sonido y al movimiento.

  Considerando estos distintos recursos expresivos, podemos decir que existen infinidad de posibilidades educativas en las que se pueda relacionar el juego dramático con los demás ámbitos.

  Por último decir, que no debemos coartar la espontaneidad que pueda surgir, sino por el contrario, potenciarla, partir de todo aquello que motive y utilizar una metodología global, sin olvidar el aspecto lúdico de toda actividad.


  Os preguntaréis por qué he elegido este tema, precisamente hoy. Pues como todo en la vida, tiene una explicación. Desde hace varios años pertenezco a una Asociación Cultural, “Parnaso Teatro”, y hoy tres de mis compañeros estrenan una obra nueva; “Arte” de Yasmina Reza. Llevan muchos meses trabajando y seguro que hoy nos hacen pasar un rato estupendo. Es bonito  ver como se disfruta contribuyendo cada día a la cultura, cada uno a su manera y, sobre todo, sin esperar nada a cambio, sólo crear un bonito “lugar para contemplar”. 



martes, 15 de julio de 2014

FOLCLORE- GRANDEZA CULTURAL

La palabra folclore es un vocablo sajón y está compuesta de dos voces: folk, que significa gente, pueblo, y lore, que significa doctrina, instrucción, saber. Por tanto, llamaremos folclore a: “el saber de la gente”, “el saber popular”.

El folclore comprende toda la cultura del pueblo, sacada de sus propios recursos, y se desarrolla por una necesidad expresiva su cultura.

Se puede estudiar desde tres aspectos:

-Recogida de hechos y datos folclóricos, para su ordenación, descripción y exposición.
-Investigación de datos, hechos o documentos, para el análisis del origen y desarrollo.

Es entonces cuando lo definimos como “la ciencia que estudia la cultura tradicional, anónima y colectiva de los pueblos”.

Cada pueblo, dentro de su saber y sentir popular, forma parte esencial de la música, que generalmente expresa por medio de canciones y danzas populares que interpretan cantadas, bailadas o de ambas maneras, casi siempre con acompañamiento instrumental.

El folclore es una ciencia que se ocupa de investigar el desarrollo de la cultura humana. En el saber del pueblo encontramos la cultura popular.

Lo popular posee cuatro características muy importantes:

-Es tradicional: de transmisión oral, de generación en generación.
-Anónimo: se desconoce autor.
-Colectivo: es costumbre de todos.
-Tiene arraigo en las costumbres o en los sentimientos.

El folclore musical español es muy rico y variado, ya que tiene una gran personalidad y la diversidad geográfica influye en diversidad musical popular.

También influye el hecho de que numerosas razas y pueblos han llegado a invadir y colonizar nuestras tierras, uniéndose el sentir de unos y otros y llegando a un equilibrio.

En este caso voy a centrarme en mi región, Castilla-La Mancha. El folclore en Castilla-La Manca es muy rico y posee un extenso cancionero, y muy variado, por cierto. Podemos encontrarnos canciones de laboreo, de cuna, canciones infantiles, romances, amorosas, de ronda, de quintos, coplas de Navidad, villancicos y aguinaldos, mayos y religiosas; hay muchas jotas.

El baile más importante de La Mancha es la seguidilla, pues tiene su origen en el siglo XV, extendiéndose por toda España a lo largo de los años con diferentes apellidos. En Castilla-La Mancha se llaman “manchegas”, el bolero, danza que deriva de las seguidillas, el fandango, la malagueña y la rondeña; son formas semejantes al fandango y muy extendidas por Castilla-La Mancha.

También nos encontramos danzas sagradas de ramos y del cordón en diferentes pueblos. Las jotas, suelen recibir el nombre del pueblo donde son interpretadas y, por último, las jerigonzas, que suelen  ser jotillas de vendimia de tipo picaresco.

Los instrumentos principales son la guitarra, la bandurria, el laúd, castañuelas, etc.

Y, como todos los aspectos culturales, el folclore también tiene una aplicación didáctica, la cual considero muy importante, porque cuando las canciones respondan a las exigencias del arte de un pueblo, se educará en el ámbito de la expresión musical popular. La Educación Musical debe comenzar por esas canciones que serán la base cultural de un pueblo.

Los textos populares tienen una gran fuerza, pues pedagogos musicales como Kodály y Orff ponen al servicio didáctico diversas canciones populares.

El folclore arraiga en el alumnado los sentimientos de su propia cultura y le hace percibir con esas canciones la esencia de su pueblo.

A través de la historia se observa que la música ha actuado sobre el espíritu humano como agente moral, noble, poético e ideal, como portador de energías y con un lenguaje universal que es capaz de despertar sentimientos de alto valor positivo.

La música popular necesita llevar su impacto a todas las etapas de la educación del niño/a y del adolescente pretendiendo una enseñanza como formación, por eso es tan importante su instrucción en el ámbito educativo.

El mundo de la música folclórica resulta familiar al alumnado, convirtiéndose en una materia que le proporcionará seguridad y la formación propia de la cultura musical de su pueblo.

Debemos basarnos en una metodología que destaque los principios de globalización y de actividad, permitiendo al alumno participar de forma activa en cada una de las actividades propuestas por el maestro. Por ejemplo, podemos sugerir como actividad principal, en la que se basará nuestra unidad didáctica, la recopilación de canciones que sepan sus mayores, lo que nos servirá para desarrollar infinidad de actividades como la investigación de sus orígenes, características, forma, etc.

He elegido este tema, con motivo de la celebración del Festival Infantil de Folclore que se celebrará este sábado 19 de Julio en el Parque Municipal de Pedro Muñoz. Es para mí y para todos los habitantes de mi pueblo todo un placer ver a los más pequeños disfrutar de sus raíces, y ver como disfrutan participando en conservar las tradiciones manchegas.



Me despido con una gañanera; podría haber elegido otra, pero ésta en especial me encanta, quizá sea por la ternura que despierta en mí la voz que la interpreta. =)

Aquellos cuatro gañanes
que suben por la besana.
Aquellos cuatro gañanes
es el capricho del ama
que me está robando el alma.
Aquellos cuatro gañanes.


Pdta: Os dejo un enlace de la página de la Federación de Folclore de Castilla-La Mancha, a la cual pertenece nuestro querido Grupo Folclórico “Virgen de los Ángeles”. Federación que nos regaló un momento inolvidable el año pasado en nuestra 50 edición del “Mayo Manchego”. Y por supuesto, la actuación. ¡PRECIOSO MOMENTO!






¡BUENAS NOCHES! =)

lunes, 7 de julio de 2014

LOMCE VS MÚSICA

Hoy me gustaría hacer un alto en el camino en cuanto a mi recorrido sobre las corrientes pedagógicas.

Creo que debo dedicar el post de hoy a la LOMCE. Es un tema de vital importancia, primero porque es algo que afecta directamente a nuestra asignatura y segundo, debemos conocerla para saber los cambios introducidos en el currículum educativo, ya que es el eje fundamental para que cada maestro pueda programar su labor educativa de cara a un futuro.

¿Debemos considerar la LOMCE como un punto y final a la importancia de la Educación Musical? Sé que es algo que nos inquieta a todos los que luchamos por esta causa.

En 1970 se introdujo la música como un área más de la enseñanza, con esto se consiguió acabar con un período en el que la presencia de esta materia era inexistente en las escuelas españolas. El único problema era la falta de profesionales cualificados.

Bueno pues, ahora ya tenemos a esos profesionales formados y ¿qué ocurre? ¿No somos necesarios? ¿Por qué?

A lo largo de los años, hemos podido ver muchos cambios en el currículum educativo, como bien decía en mi primer post. ¿A qué se deben esos cambios? ¿Son cambios ligados a los cambios de gobierno? Ya dije que no soy contraria a los cambios, pero sí que soy contraria a que un cambio afecte al desarrollo y al progreso, y es lo que está pasando actualmente.

¿Por qué una actividad que genera tanta riqueza cultural ha de ser ignorada o ninguneada? ¿Cuáles son las causas?

Bajo mi punto de vista, quizá la clase dominante carezca de esa cultura musical o quizá no le dé la importancia que merece sin más. Creo que se está tan cegado con los aspectos económicos que se olvida que todos los recursos de un país pueden sacar adelante al mismo.

La LOGSE, hacía valer los procedimientos y las actitudes, lo que dio mayor importancia a los temas transversales y la creatividad, mientras que la implantación de la LOCE, trajo consigo la decadencia de la creatividad frente a una adquisición de los conceptos tradicionales. Finalmente, la llegada de la LOE, supuso un punto de conciliación entre las dos anteriores.

Estos cambios son los que provocan en el maestro de música una disyuntiva importante sobre qué es lo que tiene que enseñar. ¿Qué es más importante? ¿La música como experiencia sensorial o los conceptos tradicionales en estado puro? ¿Las dos cosas? 

Mi sincera opinión, es que son estos cambios los que están propiciando la decadencia de todo lo que tiene que ver con la Educación, en este caso la Educación Musical.

Confiemos es que cada día estemos más cerca de llegar a esos cambios los cuáles nos acerquen al desarrollo de la cultura como una de las bases fundamentales del progeso.
Antes de despedirme me gustaría dejar unos enlaces relacionadas con el tema tratado en este post:







Saludos =)




jueves, 3 de julio de 2014

CORRIENTES PEDAGÓGICO-MUSICALES SIGLOXX

Como bien os dije el otro día, este post irá dedicado a las corrientes pedagógico-musicales del siglo XX. En mis anteriores entradas he hecho mucho hincapié en la importancia de la música en el ámbito educativo y el de la salud. Son pilares fundamentales en la sociedad. Una vez habiendo expuesto dicha importancia, ahora es el turno de conocer en qué se basa la Educación Musical actualmente, y para eso es necesario hacer un breve recorrido por dichas corrientes, partiendo del siglo XX. El conocimiento de estas corrientes nos servirá de gran ayuda al llevar a cabo nuestra práctica educativa. En primer lugar, debemos atender a unos principios básicos:

El punto más importante, y que nunca debemos olvidar es que la Educación Musical no pretende la formación de artistas.

Todas las corrientes y técnicas pedagógico-musicales actuales se basan en los principios de libertad, actividad y creatividad, pues “la música se aprende haciendo música”. Con ello se pretende conseguir una educación integral en el alumnado.

La Educación Musical en los países occidentales, y sobre todo en los europeos, toma como puntos referenciales los principios básicos siguientes (Oriol y Parra):

  • La Educación Musical ha de tener un carácter progresivo, y debe acompañar al alumno a lo largo de su proceso evolutivo.
  • La Educación Musical ha de tener un carácter integral, porque no tiene como fin la formación de artistas.
  • No debe estar sometida a una calificación estricta.
  • Se atenderá en primer lugar a familiarizar al alumno con la realidad musical por vía experimental y participativa.
  • La Educación Musical que se lleve a cabo en la escuela debe abordar todos y cada uno de sus aspectos prácticos (canción, audición, instrumentación y movimiento).
  • La Educación Musical debe fomentar la colectividad.

Principales metodologías del siglo XX:

MÉTODO DALCROZE

Jaques-Dalcroze, pedagogo y compositor suizo, el cual nombramos en los dos post anteriores, observaba en sus alumnos un problema: el de no poder sentir el ritmo musical a pesar de leer la notación musical con destreza. Esto le llevó a plantearse la creación de una metodología basada en los movimientos rítmicos del cuerpo.

Su principio básico era: “el sentido rítmico es un sentido muscular”. Considera el cuerpo como un instrumento musical y apoya el desarrollo de la musicalidad, basándose en la “euritmia”; una educación por y para el ritmo. Por eso, las materias básicas de este método son la rítmica, el solfeo y la improvisación.


MÉTODO KODÁLY

Zoltan Kodály fue un compositor y musicólogo húngaro. El valor de Kodály se cifra fundamentalmente en su labor musicológica realizada en la doble vertiente de la investigación folclórica y de la pedagogía.
La práctica con un instrumento elemental de percusión y el sentido de la ejecución colectiva son los puntos principales en los que se asienta su método. Las características más importantes de esta metodología son las siguientes:

  • Utiliza como base el folclore de su país.
  • Usa fonemas o sílabas rítmicas.
  • Emplea la fononimia. Indicar con distintas posiciones dela mano y a distintas alturas respecto al cuerpo, los distintos sonidos que se van a cantar.
  • El elemento rítmico lo introduce a través de la canción.
  • Utiliza sílabas semejantes a las notas musicales (solfeo relativo).
  • Sólo lo únicamente artístico es válido para el niño.
  • Igualdad con el resto de las materias del currículo.

Por influencia de Kodály se crearon las primeras escuelas con Música, que no son más que escuelas normales en las que, además, se imparte música.


MÉTODO ORFF

Orff fue profesor de composición del Conservatorio de Múnich. El estudio profundo de la psicología infantil, unido al trinomio: palabra-música-movimiento, son las bases de su pedagogía.

Basa su metodología en la relación ritmo-lenguaje. Se inicia con el recitado de palabras, rimas, refranes, etc. No busca elaborar un sistema rígido, sino una serie de sugerencias que sirvan al maestro como orientación.

Orff considera la palabra como generadora del ritmo y su metodología se basa en el siguiente proceso; primero se trabajan los instrumentos corporales (pasos, palmas, pie, pitos, etc.) y posteriormente se abordarán los distintos elementos de percusión comprendidos en el denomidado “Instrumentarium Orff”, facilitando la improvisación y la creatividad.

Los esquemas rítmicos están formados de dos en dos y de cuatro en cuatro compases, con el fin de que vayan adquiriendo el sentido de la cuadratura.

El elemento rítmico es estudiado a través de las palabras monosílabas, bisílabas, trisílabas, haciendo coincidir un signo de duración a cada sílaba y teniendo en cuenta la acentuación de la misma.

Utiliza el “eco”, cánones melódicos y obstinato. Para el desarrollo de la improvisación utiliza la forma “rondó”, y en cuanto a la entonación, los mismos ejercicios del lenguaje sirven para introducir al alumno al mundo sonoro.

En lo referente al movimiento, se comienza por movimientos sencillos e improvisaciones, hasta crear pequeñas coreografías y danzas.


MÉTODO WILLEMS

Edgar Willems presenta un paralelismo entre la naturaleza humana y la música:

-Ritmo----Aspecto físico
-Melodía---Afectividad
-Armonía---Inteligencia

Willems propone una serie de fases fundamentales que deben trabajarse en la clase de música, en una duración de tres cuartos y una hora:

  1. Desarrollo sensorial auditivo.
  2. Desarrollo del instinto rítmico.
  3. Canciones elegidas pedagógicamente.
  4. Desarrollo del “tempo” y del “carácter” mediante marchas.

Considera que la Educación Musical ha de seguir las mismas leyes psicológicas que la educación del lenguaje. Las primeras clases están destinadas a despertar el amor por los sonidos y se ha de enseñar a escuchar los sonidos y a moverse al ritmo que les inspire la música. Han de aprender a escuchar algunos sonidos de la naturaleza.

El Método Willems se centra sobre todo en la educación musical básica, tomando como punto de partida la audición, puesto que ésta es la naturaleza de la misma música.

Bueno, pues hasta aquí la primera parte de las corrientes pedagógico-musicales del siglo XX. En el próximo post tendremos a Martenot, Ward, Elizalde, Suzuki, Montessori y Cheváis. Tendré que dividirlo en dos partes porque si no se haría demasiado largo, y es un tema de vital interés como para tratar a la ligera.

¡Muy buenas noches!  Un saludo

martes, 1 de julio de 2014

LA MÚSICA COMO TERAPIA(II)

¡Buenas noches!, os prometí un acercamiento al mundo de la música y sus efectos sobre el ser humano, y creo que estoy cumpliendo. El post de hoy es importante para mí, no puedo pasar a hablar de algo más específico sin introduciros un poco más en el tema. Creo que es conveniente que sepáis que:

La musicoterapia es una especialidad paramédica joven, pero con suficientes fundamentos científicos de orden clínico-terapéutico que permiten establecer claramente una metodología de trabajo y una serie de técnicas capaces de ser desarrolladas.

La musicoterapia en su aplicación clínica debe estar en manos exclusivas de un graduado en musicoterapia.

Enmarcada dentro del campo de la salud mental, la Musicoterapia se desarrolla como una forma de terapia que posibilita un proceso de crecimiento personal, ayudando a las personas a promover su salud y mejorar su calidad de vida, implementando el uso de la música y sus elementos, a través de experiencias musicales y de las relaciones que se desarrollan por medio de ellas, como fuerzas dinámicas de cambio.

En musicoterapia, la música es utilizada como un lenguaje capaz de expresar quienes somos y como nos sentimos, capaz de representar como actuamos y como nos relacionamos. En el contexto terapéutico, la música funciona como un espejo capaz de reflejar la singularidad de cada uno: rasgos personales, estados anímicos, vivencias, emociones, pensamientos, percepciones, actitudes y conductas. A través de las experiencias musicales terapéuticas el paciente tomo contacto con sus dificultades y conflictos. Y es a través de estas experiencias con la música que las personas pueden desarrollar nuevas posibilidades y potencialidades, para superar obstáculos.

De esta manera, la música en la musicoterapia no constituye un fin sino un medio para trabajar necesidades intrapersonales e interpersonales.

Jaques Emile Dalcroze decía: “La música debe jugar un rol importante en la educación en general, ella responde a los deseos más diversos del hombre; el estudio de la música, es el estudio de uno mismo” (¿Recordáis el post de las emociones?).

Los alumnos de Dalcroze fueron los pioneros de la terapia educativa rítmica. Por ejemplo, Llongueras realizó el primer curso de rítmica para ciegos y Sblauer para niños sordos. Podemos considerar a Dalcroze como uno de los que abrieron las puertas a la terapia musical, pues rompió con el esquema rígido de la escolástica musical.

La música ha llegado a ser una terapia auxiliar y un remedio más o menos conocido. Junto con las terapias físicas, es indispensable dar el necesario apoyo psicológico para intentar superar la disminución de la autoestima que siempre acompaña a muchas enfermedades.

Podríamos decir que, el paciente con una coordinación muscular defectuosa o una falta de ritmo físico puede ser ayudado por el dinamismo de la música, pues es cierto que la práctica de algunos instrumentos ayuda a desarrollar músculos específicos.

También el canto es reconocido como beneficioso en algunas funciones fisiológicas (Ej.: respirar) y un remedio en el caso de perturbaciones.

El apoyo que la música da a los ejercicios físicos es un hecho conocido por todos, pues el ritmo musical estimula la acción corporal y alivia la fatiga física.

Por último, aclarar que, cuando se trata de pacientes incurables que padecen desajustes emocionales o sociales, la música puede desempeñar un valor de compensación, lo cual les ofrecerá otras posibilidades de nutrir su autoestima.

En el siguiente post me gustaría hablar sobre los métodos educativos, y su evolución hasta la actualidad, ya veréis como todo tiene relación.

No puedo despedirme sin recomendar algunos libros, los cuáles en su día me sirvieron de bibliografía para poder redactar todos estos apuntes, que a día de hoy comparto con todos vosotros a modo resumen, con el fin de despertar vuestro interés por este tema y muchos más…:

·         GARCÍA SANZ, E. Música y enriquecimiento personal. Universidad de Valladolid.


·         GÓMEZ ROBLEDO, C. Un primer contacto con la musicoterapia.